miércoles, 10 de diciembre de 2008

60s HERSCHELL GORDON LEWIS


HERSCHELL GORDON LEWIS

Nombre: Herschell Gordon LewisLugar de nacimiento: Pittsburgh (EEUU)Fecha de nacimiento: 15 de Junio de 1926Fecha de defunción: -
Herschell ha pasado a la historia como el padre del gore. Se graduó en periodismo en una universidad de Illinois, y sus primeros trabajos fueron como profesor de lengua en una escuela (con 20 años, era más joven que algunos de sus alumnos) y director de emisoras de radio y TV locales. Después comenzó a realizar unos cuantos anuncios publicitarios. Pero el dinero no era suficiente, así que Lewis pensó en realizar algunas películas que le proporcionasen más beneficios. Habló con David F. Friedman, quien tenía una pequeña distribuidora, y realizó sus dos primeros films. Tras ellos, Friedman se le une como productor asociado. Mientras Lewis se encargaba de la dirección y producción, Friedman sería el encargado de la distribución y promoción del film (influyendo también en el trabajo de Lewis), formando un tándem que pasaría a la historia del cine fantástico. Viendo el éxito que Russ Meyer estaba obteniendo con sus films, comenzaron rodando "nudies". Más de 30 según Friedman, de los que solo se conservan 7.Pero ese género pronto se vería sobresaturado. La pareja necesitaba algo nuevo. Una noche, mientras veía un film de gángsters, Lewis pensó en que no era real que los tipos muriesen cosidos a balazos sin soltar ni una gota de sangre. La bombilla se enciende, y el gore nace como género. Con poco más de 24.000 dólares ruedan Blood Feast. La sangrienta carnicería recaudó varias veces su presupuesto. Sin dudarlo, pronto realizaron otro film repleto de sangre, esta vez más elaborado. El resultado fue 2000 Maníacos, que fue otro éxito pese a no alcanzar la taquilla de Blood Feast. Le seguiría otro clásico, Color Me Blood Red, que sería el último film de la pareja Lewis y Friedman. El segundo era consciente de que "competidores" como Russ Meyer estaban mejorando notablemente la calidad de sus películas, y consideraba que era necesario realizar un producto más elaborado si querían competir con ellos. Lewis, que no era seguidor de lo que se hacía dentro del cine independiente, opinaba que lo importante era hacer películas, una tras otra.Rota la unión Lewis sigue dirigiendo sin su colaborador habitual, pero sus películas recogen cada vez peores críticas y menos público. Coincide con el auge de su compañía publicitaria. En 1972 filma su última película, the Gore, Gore Girls, poniendo fin a 12 años de carrera como director. Comienza aquí su completa dedicación al mundo de la publicidad, mundo en el que hoy en día es uno de los especialistas más cotizados del mundo, y tema sobre el que ha publicado dos decenas de libros, además de escribir columnas en varias publicaciones especializadas. Aún así, en varias ocasiones ha mencionado la posibilidad de realizar Blood Feast II. Cuando le preguntaron qué debería rezar su epitafio, Lewis resumió su carrera cinematográfica en una frase: "Vio algo distinto. Y lo hizo".





Links de videos relacionados

http://es.youtube.com/watch?v=Ex0STsK8JcM

http://es.youtube.com/watch?v=Ju1Qt_yAKcg&feature=related
http://www.herschellgordonlewis.com/films.htm

martes, 9 de diciembre de 2008

60s HERMANN NITSCH


HERMANN NITSCH
Viena, 1938
Pintor, escritor y compositor austríaco. Se forma en la Graphische Lehr – und Versuchanstalt de Viena, entre 1953 y 1958. Sus primeras obras, dominadas por temas religiosos, dan paso en los años sesenta a obras de marcado carácter abstracto influidas por el descubrimiento de la obra de Rainer . Característico en él es intentar unir teatro y pintura, lo que le conduce a la realización de diferentes “performances” dotados de una fuerte dimensión ritual. Esto sirve de base a su Orgien Mysterien Theater(Teatro de los Misterios y Orgías), en el que son de gran importancia las acciones centradas en el cuerpo humano. A partir de 1973 este teatro incluye al espectador en su representación, llegando así a la obra de arte total o “Gesatkunstwerk”, que puede llegar a durar varios días. Muestra entonces un trabajo diferente al de los demás, debido en parte a sus orígenes literarios, orígenes que aportan simbología a la obra final.




Links de videos relacionados

http://www.ubu.com/film/nitsch.html
http://es.youtube.com/watch?v=fD6e7FkWqhM&NR=1
http://es.youtube.com/watch?v=qZer-GwryX0http://es.youtube.com/watch?v=of7F1dB7E1Q&feature=related

60s OTTO MUEHL




OTTO MUEHL


Otto Muehl. Sus inicios fueron en el campo de la pintura a la que ha regresado nuevamente. El cuerpo humano es el objeto sobre el que actua. Destructivo, violento e irónico utiliza todo tipo de fluidos, ruidos, olores, luces, comida, deshechos en su proceso de terapía total y liberación de los instintos sexuales. En 1970 el arte pasa a la vida y crea una comuna que llega a tener 700 miembros donde hombres y mujeres deben mantener relaciones rotatorias, está prohibido enamorarse y no existe la propiedad privada. Algo salió mal en esta propuesta porque en 1991 entra en la cárcel por siete años acusado de abuso de menores y actualmente está en pleitos con miembros de la comuna por la propiedad de los cuadros que se hicieron en el transcurso de sus vidas en común. Sus acciones han sido muy contestadas por muchas mujeres artistas


Del accionismo vienes:





Arte, radicalidad, y transgresión


Durante
muchos años, los trabajos de los accionistas fueron llevados a cabo de forma
simultánea e independiente de los demás movimientos artísticos contemporáneos de
la época, los cuales, compartían un interés común en el rechazo al arte estático y tradicional. La
práctica de alguna de sus ideas requerían la realización de “acciones” en
entornos controlados, o ante extensas audiencias.
Principalmente, los
accionistas vieneses son recordados por lo grotesco y lo violento de muchos de
sus trabajos, donde frecuentemente se realizaban sacrificios a animales,
rituales orgiásticos o prácticas sexuales aparentemente sangrientas (como
simulaciones de mutilaciones genitales o violaciones). Todo ello desafiaba a las
convenciones éticas y morales sobre las que se cimenta la sociedad occidental,
por lo que muchos de estos artistas fueron perseguidos por la ley y por varias
asociaciones ecologistas y religiosas. Así, en junio de 1968, Gunter
Bruss
(que llegó a decir que la destrucción era un elemento fundamental de
su arte) fue arrestado por “degradar los símbolos del país” en su obra Kunst+Revolution
(Arte+Revolución). No obstante, tras seis meses de condena logró escapar con su
familia a Alemania. Otros accionistas
como Otto
Mühl
y Hermann Nitsch también
cumplieron condenas por participar en varias “acciones” de carácter abiertamente blasfematorio y violento.












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70s LOUISE BOURGEOIS



LOUISE BOURGEOIS
Louise Caroline Bourgeois (París, 25 de diciembre de 1911) es una artista francesa.
Louise Bourgeois trabajó con Fernand Léger antes de instalarse de Nueva York. Allí se casó con el historiador de arte estadounidense Robert Goldwater en 1938. Es una de las artistas más conocidas en el mundo.

Biografía [editar]
Los padres de Louise Bourgeois eran restauradores de tapices, lo que, según ella, no fue determinante en su carrera artística. Sin embargo, desde los diez años empezó a ayudar a sus padres con los dibujos de los tapices y completándolos. Tras haber obtenido el bachillerato en 1932, estudió matemáticas superiores en la Sorbona y geometría, esperando encontrar así un orden y una lógica en su vida. Desde niña, era turbulenta y se dio cuenta de que su niñera era amante de su padre.
Bourgeois se apartó de las matemáticas, en su opinión demasiado teóricas. Empezó estudios de arte en París, primero en la escuela de Bellas Artes y luego en muchas academias así como en la Escuela del Louvre. Tuvo por esa razón de profesores a artistas como Paul Colin, Cassandre o el mismo Fernand Léger. En 1937 conoció a Robert Goldwater, que se casará con ella y con quien se trasladará a Nueva York al año siguiente. Allí prosiguió el camino que había iniciado en París y llevó a cabo sus primeras exposiciones, impregnando sus obras, en especial esculturas, de esa vena psíquica, procedente de sus traumas personales.
Plenamente consciente de esta dimensión de su obra, está sin embargo muy alejada de las representaciones literales que caracterizaban en especial al surrealismo en su relación con el inconsciente, y en ese sentido abrió una vía muy vanguardista del arte contemporáneo. Sus esculturas monumentales de arañas, construcciones oníricas, son uno de los ejemplos más conocidos.





Links de videos relacionados

http://es.youtube.com/watch?v=VqPQHl6eNtw
http://es.youtube.com/watch?v=U5wQOJd5TzQ&feature=related

70S VITO ACCONCI


VITO ACCONCI



Nueva York, Estados Unidos, 1940
Maestro norteamericano, Vito Acconci es una de las claves del arte de la segunda mitad del siglo XX y un pionero de la performance, video, instalaciones y en la exploración del espacio arquitectónico. Su obra ha traspasado las fronteras del arte, para llegar mas allá de la galería o el museo, hasta los espacios públicos. Primero poeta, comenzó a producir arte conceptual a finales de los años 60.
En 1969 Vito Acconci realizó sus primeras obras visuales, combinando fotografías con textos. En Grasp (1969), reconocía las capacidades de archivo de la Fotografía – “la cámara es comprensión, la foto es almacén”- pero ubica en primer plano el acto de performance en sí mismo, de tomar fotografías, de hacerse físicamente con una imagen. Este proyecto anunciaba el dialogo entre la cámara y el cuerpo, que se iba a convertir en un aspecto esencial del trabajo de Acconci de entonces en adelante, particularmente en las series de películas y videos de Super-8, realizados entre 1969 y 1974 en los que contemplaba obsesivamente su propio cuerpo.
Éstas performances, filmadas de manera privada, que también están documentadas en unos paneles de fotografía y texto, incluyen una intensa manipulación corporal.En Conversions II: Insistence, Adaptation, Groundwork, Display (1971), la segunda de una trilogía de películas en las que se plantean interrogantes acerca de la rigidez de los géneros (masculino- femenino), el artista intenta feminizar su cuerpo de varón escondiendo sus genitales entre las piernas.
En el video y en el panel Open Book (1975), el cuerpo se convierte de nuevo en una performance íntima: La boca de Acconci, abierta de forma antinatural, muestra un primer plano extremo mientras él, paradójicamente, intenta hablar al espectador. La incapacidad para articular palabras y la caída del lenguaje, que da lugar a las repetidas réplicas y quejas de Acconci al espectador, dejan inútil la boca para comunicar.
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70s BRUCE NAUMAN


BRUCE NAUMAN



Bruce Nauman (nacido el 6 de diciembre de 1941, en Fort Wayne, Indiana, EE. UU.) es un artista estadounidense. Su obra abarca una gran variedad de medios, como la escultura, fotografía, neón, video, dibujo y performance.
Nauman estudió matemáticas y física en la Universidad de Wisconsin-Madison y arte en la Universidad de California, Davis. En los años 1980 se trasladó a Nuevo México. Gran parte de su trabajo se caracteriza por un interés en el lenguaje y en la capacidad ambivalente de éste. En 2004 expuso su obra Raw Materials en Tate Modern, Londres.
Obtenido de "http://es.wikipedia.org/wiki/Bruce_Nauman"


Las obras de Bruce Nauman siguen el esquema de un juego violento con estructura narrativa. La secuencia de los videos y las combinaciones entre pantallas, imágenes y sonidos, sigue la forma de un relato con una o varias voces y casi siempre con mútlples puntos de vista. Discusiones, contrapuntos, mimos, payasos, actores (y él mismo) en actitudes psicóticas, personajes desesperados, voces, gritos, esculturas luminosas, consignas y frases hechas con tubos de neón, que se encienden y apagan en secuencias complejas: todo tiene un ritmo acelerado y parece conducir hacia un crescendo previo al estallido.El ruido y el griterío que se oye al entrar al museo, proviene de las obras. Frases cortas, repeticiones insoportables, órdenes, deseos, invocaciones, descripciones, gritos, amenazas, interjecciones, centenares de tubos de neón intermitentes. Todo superpuesto, generando un coro destemplado y desesperado. Nauman alterna complementa y experimenta con lo visual, lo lingüística y lo musical. Un coro inarmónico, hecho de individualides, donde el conjunto es una suma impefecta. La individualización de las partes conforma un todo caótico y enloquecedor. Al punto que una de las discusiones que generó la muestra en la ciudad de Wolfsburg es la salud de los guardias del museo que tiene que cumplir con un horario prolongado sometidos a esa experiencia límite.




Links de videos relacionados

http://es.youtube.com/watch?v=LDuvLc_FAXE
http://es.youtube.com/watch?v=zxoHuVeNwUI&feature=related

http://es.youtube.com/watch?v=5dqNbV-m3sU&feature=related
http://es.youtube.com/watch?v=GrwUDUJp-hE&feature=related
http://es.youtube.com/watch?v=rkfOgavdhak
http://es.youtube.com/watch?v=Qml505hxp_c&feature=related
http://es.youtube.com/watch?v=v0s9aZnrgHk&feature=relatedhttp://es.youtube.com/watch?v=cxmm16gqRis&feature=related

80S CINDY SHERMAN


CINDY SHERMAN
Artista estadounidense. Estudia arte en el Buffalo State College de Nueva York entre 1972 y 1976, dedicando una especial atención a la fotografía. Hasta 1986 realiza únicamente autorretratos fotográficos con los que intenta parodiar el tema de la mujer estereotipada: situándose en diferentes escenarios, sus imágenes en blanco y negro y de pequeño formato dan paso a otras en color y de formato más grande. En ellas, el humor va desde la muda introspección hasta la sensualidad más provocativa, desatándose el horror y la repulsión a finales de los ochenta. Sus formas cercanas y sus mensajes irónicos, asimilan la tiranía visual propia de la televisión, la publicidad y las revistas, guardando así cierta semejanza con el trabajo de Longo y Prince. El paso a un formato cada vez más grande va en paralelo a la fragmentación de la representación de la figura de Sherman como protagonista, tendiendo algunos de sus temas a la violecia, la crítica política o el erotismo. Tanto el MoMA como la Tate Modern de Londres, poseen un amplio repertorio de su obra.
Mujer “monstruosa” y negación del cuerpo
Para José Miguel G. Cortés9, casi siempre que
a la mujer se la representa como monstruosa es en relación con sus deseos
sexuales: se trata de la mujer castradora, que aglutina en torno a sí los miedos
más profundos del hombre (…) Muchas de las imágenes de la mujer castradora se
recrean en una visión de la misma como antimadre, madre asesina o deseosa de la
carne y la sangre del hombre








Links de videos relacionados

http://es.youtube.com/watch?v=Rsz7asUkHFk&feature=related
http://es.youtube.com/watch?v=6rTtYEY50Mo&NR=1

http://www.solromo.com/art_foto/sherman03.htmhttp://es.youtube.com/watch?v=I6MyCErU2Y0&feature=related