PAUL MCCARTHY

miércoles, 10 de diciembre de 2008

40s GEORGE GROSZ

GEORGE GROSZ

Su producción artística de esa época se basaba en unos cimientos cubistas y futuristas mezclados con fuentes artísticas áulicas del pasado e iconografías populares.
Así, evolucionó desde dibujos caricaturescos hacia visiones urbanas apocalípticas y violentas con una politización bastante clara, con lo que se integró en el ala izquierda del movimiento que se denominó Neue sachlichkeit (nueva objetividad), inaugurado con una exposición en Mannheim en 1925, en la que Grosz participó, junto a, entre otros, Otto Dix. En este movimiento también participaron el literato Joseph Roth o el compositor Arnold Schoenberg. En sus pinturas y, especialmente, en sus dibujos y litografías de esta época se pone de manifiesto la inmensa tragedia que representó para Alemania la posguerra: calles, bares, tugurios, cuarteles, todos los lugares se viviseccionan con el corrosivo lápiz de Grosz, que desvela de modo despiadado la hipocresía y la violencia, sin un atisbo de ironía.
Su duro estilo, a veces rayano en lo infantil y en lo pornográfico es muy adecuado para ilustrar gente miserable: prostitutas, borrachos, asesinos, soldados heridos. En esos dibujos hay una parte importantísima de crítica social que se enfrenta a la despiadada avidez de los burgueses y hombres de negocios vulgares, cuya miseria se oculta tras una capa de respetabilidad.
Las deformaciones debidas al expresionismo y su simplificación del dibujo infantil y de la imaginación popular confieren a su obra una cruda agudeza, mientras que los múltiples planos y efectos simultáneos de cubismo y futurismo le proporcionan análisis y precisiones particulares, formando una estructura a la vez exaltada y visionaria. Sus dibujos, muchos de los cuales están realizados con tinta o acuarela han contribuido notablemente a la imagen que muchas personas tienen de la Alemania de los años 1920.

En 1932 en Alemania el nazismo está en auge. La obra de Grosz pasa a ser considerada un modelo del arte degenerado y él mismo recibe el inquietante título por parte de algún ideólogo nazi de "bolchevique cultural número uno". En 1933 con el acceso al poder de Adolf Hitler Grosz decidió emigrar a los Estados Unidos. Trabaja entonces como profesor en Nueva York y en 1938 obtiene la nacionalidad estadounidense.
La producción del periodo americano, sin embargo, es menos incisiva, a pesar de su regreso, en clave surrealista a su anterior grafismo violento y despiadado. La Segunda Guerra Mundial le hizo volver a sentir el pesimismo anterior, lo que queda de manifiesto especialmente en alguno de sus óleos, como The Survivor (1944).
Escribió en 1946 su autobiografía, que tituló A Little Yes and a Big No (Un pequeño sí y un gran no).
En 1958 regresó a vivir en Alemania. George Grosz murió en Berlín debido a una caída frente a su casa.

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http://es.youtube.com/watch?v=VW1Wt0cqKOM&feature=related
http://es.youtube.com/watch?v=vRz4lwIiiLc

50s HANS BELLMER

HANS BELLMER

Hans Bellmer ( Katowice, 1902 - París, 23 de febrero de 1975) fue un autor surrealista de origen polaco que desarrolló su trabajo en Berlín y más tarde en París debido al nazismo.
Cuando los nazis llegaron al poder en Alemania, en 1933, Bellmer decidió no hacer nada que pudiera serles útil. Entonces confeccionó su obra más conocida: la Muñeca. Se trata de una escultura que representa a tamaño casi real (1,40 m.) a una muchacha de cabellos morenos, desnuda y con calcetines, que parece una muñeca de niña ampliada, pero que tiene cuatro piernas y numerosas articulaciones para un único torso de mujer adulta. Es un objeto con pretensiones eróticas, una criatura artificial con múltiples posibilidades anatómicas, mediante la cual Bellmer intenta descubrir la mecánica del deseo y desenmascarar el inconsciente psíquico que nos gobierna. La escultura evoca también la emancipación femenina, y es también una denuncia del culto al cuerpo perfecto de moda en la Alemania nazi.
Bellmer es, evidentemente, rechazado por el III Reich, que calificaba a su arte de degenerado, y que veía en él lo que el autor, en efecto, quería: un intento de provocar a la población para impulsarla a despertar.
Trasladado a Francia en 1938, fue acogido por los surrealistas, que reconocían en su Muñeca y en sus fotografías una nueva manera de abrir el espíritu de la sociedad a sus fantasmas inconscientees y de obligar al espectador a interrogarse sobre los sentimientos producidos en él por la obra de arte y sobre las relaciones con su propio cuerpo y todo lo que ello conlleva de hipocresía o de complejo
Bellmer fue recluido en el Campo de Les Milles, en Provenza hasta 1940.
Aunque la Muñeca es su obra más innovadora y más conocida, continuó con sus trabajos sobre el erotismo, con abundantes dibujos y fotografías de esculturas-objetos.

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50s YVES KLEIN

YVES KLEIN

Yves Klein (28 de abril de 1928 - 6 de junio de 1962) fue un artista francés considerado como una importante figura dentro del movimiento neo-Dadaísmo.
Contenido

Klein nació en Niza. Sus padres, Fred Klein y Marie Raymond, también fueron pintores. Desde el año 1942 hasta el 1946 Klein estudió en la "Escuela Nacional de la Marina Mercante", y en la "Escuela Nacional de Lenguas Orientales", practicó el judo. En esa época, comenzo su amistad con Arman Fernandez y Claude Pascal, y comenzó a pintar. Klein compuso su primera Sinfonía monótona en el año 1947. Entre los años 1948 y 1952, viajó a Italia, Gran Bretaña, España y Japón. En el año 1955 fijó su residencia permanente en París, donde le dedicaron una exposición individual en el "Club des Solitaires". Sus pinturas monocromáticas fueron objeto de exposiciones en la Galería Cloette Allendy y la Galería Iris Clert, en París, en 1946. Klein murió en París de un ataque al corazón poco antes del nacimiento de su hijo.

Obras
Monocromas

Azul Klein Internacional (IKB, =PB29, =CI 77007).
La mayoría de sus primeros trabajos eran pinturas monocromáticas en una amplia variedad de colores. A finales de los años 50, los monocromos de Klein se centraban en un color azul intenso, que patentó como el International Klein Blue o Azul Klein ( ahora también llamado azul style por grandes firmas de moda que han decidido también ponerle ese sobrenombre) Internacional (IKB, =PB29, =CI 77007).
En muchos de sus trabajos Klein cubría con pintura azul a una serie de modelos femeninas y las estampaba contra el lienzo dejando así la imprompta del cuerpo desnudo de las modelos sobre la tela, usándolas como si fueran "pinceles vivientes". Este tipo de trabajo recibe el nombre de "Antropometría". Otras pinturas que siguen este mismo método de producción incluyen las "grabaciones" de lluvia que Klein hacía conduciendo bajo la lluvia a 110 kilómetros por hora con un lienzo.
Klein y Arman estuvieron ambos implicados continuamente en las corrientes creativas, tal y como nuevo realismo. Ambos de Niza, los dos trabajaron juntos durante el transcurso de varias décadas y Arman incluso dio nombre a uno de sus hijos en honor de Yves Klein. La creación de estas pinturas fue concebida a veces en una clase de performance art - un acontecimiento acaecido en el año 1960, por ejemplo, hizo que una audiencia vistiera formalmente mientras tocaban una The Monotone Symphony en 1949.

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50s WEEGEE

WEEGEE

Arthur Fellig (1899-1968), más conocido como Weegee, era un inmigrante ucraniano que se convirtió en uno de los fotógrafosnorteamericanos más famosos. Rastreando cada noche las calles de Nueva York en un desvencijado Chevy de dos puertas equipadocon una radio de la policía, Weegee proporcionó a los periódicos, desde 1930 hasta 1940, instantáneas de víctimas de reyertascallejeras cubiertas de sangre, accidentes de tráfico y altercados domésticos.También fotografió cientos de reveladores imágenes de la vida cotidiana de los ciudadanos ricos y pobres de Nueva York.El trabajo de Weegee - coleccionado ávidamente tanto por museos como por coleccionistas particulares - fue dado conocera escala nacional a través de su libro publicado en 1945: Ciudad Desnuda. Uno de sus admiradores es el productor de Expediente-XJohn Shiban, que en 1998 prestó una reciente compilación biográfica de Weegee a su amigo y compañero de trabajo, el productorco-ejecutivo Vince Gilligan.

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50s FRANCIS BACON

FRANCIS BACON

Francis Bacon (* Dublín, Irlanda, 28 de octubre de 1909 –† Madrid, España, 28 de abril de 1992) Pintor anglo-irlandés, de estilo muy personal que puede definirse como figuración expresionista.
Contenido

Primeros años

Aunque nació en Dublín y toda su niñez transcurrió en Irlanda, se le suele considerar un pintor inglés de origen irlandés debido a sus raíces familiares inglesas. Su padre entrenaba caballos de carreras en Dublín pero debido a la Primera Guerra Mundial tuvo que mudarse con su familia a Londres en 1914. Entre 1914 y 1925 su familia vivió entre Inglaterra e Irlanda. Su infancia fue dura, ya que tuvo una educación poco convencional, padecía de asma crónica. Su padre tenía un temperamento intolerante y lo expulsó de casa a los 16 años, cuando manifestó sus inclinaciones homosexuales.

Comienzo en el arte

En 1926 comenzó a tomar lecciones de dibujo en la Escuela de San Martín de Arte.
A partir de 1927 vive entre París y Berlín donde comienza a trabajar como decorador de interiores y es en esta etapa cuando empieza a pintar, no gozando de éxito sus primeros cuadros. Sin embargo la influencia más importante, que lo lleva a pintar, es una visita a una exposición de Picasso en París, la cual le impresiona y que será una influencia en su trabajo: "Aquellos pierrots, desnudos, paisajes y escenarios me impresionaron mucho, y después pensé que quizá yo también podría pintar".
Bacon decidió que el tema de sus pinturas sería "la vida en la muerte", debía buscar a su "yo" más vital, pero también al más autodestructivo. Michael Leiris le sugirió que "el masoquismo, el sadismo y casi todos los vicios, en realidad, eran tan solo maneras de sentirse más humano".
En 1929 regresa a Londres, y de forma autodidacta comienza a pintar en óleo.No obstante no había logrado el reconocimiento, y cuando cumplió 35 años, por su carácter temperamental, destruyó casi todos sus cuadros. Es hacia 1944 cuando finaliza el tríptico Tres estudios de figuras junto a una crucifixión (Three Studies for Figures at the Base of a Crucifixion), un cuadro que ganó la aceptación y fue recibido muy bien por la crítica, además de ser considerado como uno de los cuadros más originales en el arte del siglo XX.*
En 1949, el Museo de Arte Moderno de Nueva York (MOMA), compró una obra suya, también en este año comienza la serie inspirada en el Retrato del papa Inocencio X de Velázquez (Palazzo Doria-Pamphili de Roma), de la que hoy en día se conservan más de 40 cuadros, y empezó a conformar su propio estilo.

Sus Obras Los cuadros de Bacon tienen influencia de Munch en los trazos y de las tonalidades de Van Gogh; también se percibe la influencia de Goya ya que plasmó la angustia en sus cuadros. En sus cuadros trabajó la representación de la figura masculina o femenina, que por lo general aparece de forma desfigurada e incluso de forma aterradora, en espacios cerrados y oscuros.
Los retratos y autorretratos son una gran parte de las pinturas; destaca entre ellos George Dyer en un espejo (Portrait of George Dyer In a Mirror 1968, Museo Thyssen-Bornemisza Madrid), en donde refleja la fragilidad del ser. Refleja la época que vivió, la Segunda Guerra Mundial.
En otros cuadros como Cabeza rodeada de carne de vaca (Head Surrounded by Sides of Beef, (1954, Instituto de Arte de Chicago) o series como Perros que gruñen (Dogs) Bacon refleja el belicismo, la capacidad del ser humano por ser violento y la inclinación de la naturaleza humana por la violencia.
A lo largo de toda su carrera Bacon recurrió al informalismo, el expresionismo y al surrealismo, pero sus cuadros pertenecen al racionalismo. Aunque para algunos autores la obra de Francis Bacon, no pertenece a tal corriente. Se trara de una pintura de corte expresionista pero muy difícil de clasificar, porque nunca perteneció a ningún movimiento artístico. Simplemente prosiguió lo que él consideró [en las entrevistas publicada que le hizo David Sylvester a lo largo de los años sesenta] una linea pictórica "postpicasiana", siguiendo la vía abierta que Picasso dejó con la figuración y la representación obsesiva del cuerpo humano. Según el filósofo francés Gilles Deleuze, autor de uno de los ensayos que mejor analizan la obra del pintor(Francis Bacon: Logique de la sensation), la figuras de Bacon son las que mejor representan al hombre del siglo XX: si Cézanne lo hizo con el Paisaje, Giacometti y Bacon llevaron al hombre a su mejor representación artística, en relación al hombre angustiado por la vida, pero entusiasmado por el arte.
Otros museos españoles que cuentan con obra de Bacon son el Museo Reina Sofía de Madrid ("Desnudo tumbado") y el Museo de Bellas Artes de Bilbao ("Figura recostada ante un espejo").

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http://es.youtube.com/watch?v=TYCOpBe9_d4&feature=related

http://es.youtube.com/watch?v=3CgIPx3GDwU
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http://www.ubu.com/film/bacon.html

50s WOLF VOSTELL

WOLF VOSTELL

Wolf Vostell (*14 de octubre de 1932 en Leverkusen, † 3 de abril de 1998 en Berlín), artista alemán de prestigio internacional, figura fundamental del arte de la segunda mitad del siglo XX y persona íntimamente vinculada a Extremadura.

Trayectoria

Berlin, Rathenauplatz
Wolf Vostell nació el 14 de octubre de 1932 en la ciudad alemana de Leverkusen, en la región de Renania. Huyendo de la II Guerra Mundial Vostell se trasladó con su familia a Checoslovaquia, y allí vivió hasta el fin de la guerra. En el colegio vivió lo que él llamaba su “primer Happening”, puesto que durante un bombardeo se le indicó que se ocultara debajo de un árbol y desde allí contempló la caída de las bombas. El regreso a Colonia, acompañado de su madre y de su hermana, constituyó una experiencia fundamental en su vida, puesto que hubo de hacerlo andando, y en los tres meses que duró el viaje fue testigo de los devastadores efectos de la contienda en ciudades como Praga, Dresde o Kassel. Además, los terribles efectos del Holocausto le marcarían profundamente, siendo uno de los temas recurrentes de su trabajo, como lo demuestra la obra "Shoah".
Realizó sus primeros estudios sobre arte en Colonia, en los campos de pintura, fotografía y litografía, y después en la academia de Wuppertal, de pintura libre y tipografía experimental. Tras su primer viaje a París, y recogiendo un titular del periódico “Le Figaro” que le llamó la atención, acuñó el término Dé-coll/age, que distinguió del collage tradicional y su yuxtaposición creativa de elementos, relacionándolo con la traducción literal de la palabra francesa de la que derivaba: desprender, y destruir/morir. Aplicó el nuevo término tanto a sus pinturas-Dé-coll/age, que incluían jirones de carteles, fotografías emborronadas y objetos, como a sus acciones, la primera de las cuales tendría lugar de forma incompleta en Wuppertal (Skelett, 1954). Tanto sus obras materiales como acciones estaban impulsadas por un mismo principio, la estética de la destrucción, que pretendía recoger el carácter negativo y agresivo del mundo contemporáneo. En 1955 se trasladó a París para estudiar pintura, y grabado en la Escuela Superior Nacional de Bellas Artes y empezó a trabajar como asistente del cartelista Cassandre. Después, entraría en la Academia de Artes de Düsseldorf. Por entonces ya había demostrado su interés por artistas como Goya, Bruegel, Zurbarán, El Bosco o Lèger y había consagrado parte de su tiempo la obra del psicólogo Carl Jung.
En el año 1959 crea Wolf Vostell la primera obra en la historia del arte que incorpora un televisor, "Vista Alemana" 1959, que hoy forma parte de la colección del Museo Berlinische Galerie en Berlín.
A principios de los años 60, Wolf Vostell inventa la técnica del Dé-coll/age, y con el environment/ambiente "6 TV Dé-coll/age" del año 1963, que forma parte de la colección del Museo Reina Sofia Vostell se convierte en pionero del Video-arte. También es pionero del Happening y del movimiento Fluxus en Europa. Vostell trabaja la técnica del emborronado creando obras en las que refleja la vida socio-política del momento, objetivo que también logra con sus ambientes y esculturas.
En los años 70 usa Vostell el hormigón como elemento fundamental en la mayor parte de su amplia creación. Vostell conoce en 1974, acompañado por su esposa la extremeña Mercedes Guardado Olivenza, Malpartida de Cáceres y los Barruecos -un magnífico paraje, declarado en 1996 Monumento Natural, donde se conjuga la belleza natural de unas grandes rocas graníticas y el agua de una presa, un rico potencial ecológico y un complejo de edificios del siglo XVIII que fue utilizado como Lavadero de Lanas- y declara la zona como "Obra de Arte de la Naturaleza". Desde aquel momento, concibió la idea de crear aquí un museo, inconfundible e innovador, como expresión del arte de vanguardia, un lugar de encuentro del Arte y la Vida, y en 1976 funda Vostell el Museo Vostell-Malpartida (MVM) que desde 1994 está gestionado por la Junta de Extremadura. En el año 2005 la Junta de Extremadura adquiere el Archivo Vostell y lo incorpora al Museo Vostell Malpartida para que esté a disposición de investigadores y estudiosos.
En el año 1992 la ciudad de Colonia recibe una gran retrospectiva de la obra de Wolf Vostell, que se reparte en 6 museos diferentes de la región. Los museos que presentaban la retrospectiva fueron el Stadtmuseum Köln, Kunsthalle Köln, Rheinisches Landesmuseum Bonn, Kunsthalle Mannheim, Schloss Morsbroich Leverkusen y Städtisches Museum Mülheim Ruhr. Su hijo David Vostell realiza una película documental con el título 'VOSTELL 60- Rückblick 92' sobre esta retrospectiva.
Los años 80 y hasta su fallecimiento en 1998 están marcados por la pintura, óleos de gran formato y dibujos en los que aplica el hormigón como material pictórico.